Skvot Mag

Уроки 5 культовых арт-манифестов

Зачем художнику спонтанность, наука и одиночество.

Уроки 5 культовых арт-манифестов
card-photo

Маша Перебаева

Автор в SKVOT

23 декабря, 2021 Искусство Статья

Сегодня многие художники публикуют statement-ы, или кредо своего творчества. Эта практика — не новая. Основатели крупных направлений часто писали манифесты — коллективные заявления о ценностях и целях художественного течения. В них — идеи, актуальные и сейчас. 

Пересмотрели манифесты дадаистов, Лучо Фонтаны, Ги Дебора, Марины Абрамович, Ларса фон Триера и Томаса Винтерберга, чтобы разобраться: как формировать креативный процесс, относиться к истории искусства, где искать вдохновение и чего ожидать от творческого продукта.

«Манифест дада 1918» — дадаисты

Дадаисты — антивоенное авангардистское движение, которое возникло после Первой мировой войны. Как они сами говорили о себе, это представители разных наций, собравшиеся в нейтральной Швейцарии. Главные имена дадаизма — поэты Рихард Хюльзенбек, Хуго Балль, Тристан Тцара, художники Ханс Арп, Макс Эрнст, Рауль Хаусман, Ханна Хёх, Марсель Янко, фотограф Ман Рэй. 

Дадаисты создавали театр, коллажи, абстрактную живопись и поэзию, состоящую из неологизмов. Они ценили спонтанность, которая, по их мнению, должна освободить творческое начало от рационализма. А еще дадаисты очень любили манифесты — и создали их едва ли не больше, чем всех остальных произведений искусства.

Один из первых и основных манифестов написал Тристан Тцара в декабре 1918 года. Именно там появляется понятие «дада» как новый способ мышления: «Слово "дада" символизирует примитивнейшее отношение к окружающей действительности». В манифесте дадаисты отделяют себя от предыдущих течений авангарда — экспрессионистов и символистов — и предлагают новые формы стиха: бруитский, симультанный и статический.

Дадаисты повлияли буквально на всех. После них абсурдизм и обращение к наивному, не испорченному умозрительностью и механистичностью, стали модными. Из этого направления выросли сюрреализм и постмодернизм, из него многое заимствовали и футуристы, и драматурги «театра абсурда», такие как Сэмюэль Беккет и Эжен Ионеско. 

Концентрат манифеста

#1. Доверяй случайности. По манифесту, иррациональное правдивее рационального: рационализм ведет к отчуждению, провоцирует войны и неравенство в обществе. Спонтанность создает связи между людьми и явлениями.

#2. Обращайся к наивному. Слово «дада», как утверждал Тристан Тцара, похоже на лепет младенца и может означать все и ничего одновременно. В поисках истины дадаисты обращались к детскому, первобытному и непрофессиональному.

#3. Давай своей злости выход в творчестве. Дадаисты видели в протесте и недовольстве творческую силу. Конформисты не создают ничего нового, гнев заставляет двигаться.

Посмотреть курс
 

«Белый манифест» — Лучо Фонтана

Лучо Фонтана — итальянский художник-авангардист. Он бросал вызов консервативному искусству и выступал против академических школ: объединял живопись и скульптуру, протыкал холсты, нарушая их священный статус.

В «Белом манифесте», который Фонтана обнародовал в 1946 году, говорится, что искусство — это фундаментальный аналитический процесс для человеческого вида. История мирового искусства описана как процесс накопления знаний и поиска истины. В XX веке главной стала наука, она опирается не на абстрактный идеал, а на опыт, поэтому искусство тоже должно измениться: стать конкретным, динамичным и интегрировать научное знание. 

Фонтана предлагает брать формы у природы и выступает за синтез: «Мы представляем синтез как совокупность физических элементов: цвета, звука, движения, времени, пространства, объединенных в физический и ментальный союз».

Оригинальная обложка «Белого манифеста»

Концентрат манифеста

#1. Стирай границы между жанрами. Формы искусства и разные медиумы больше не существуют изолированно: холсты могут быть объемными, живопись дополняется звуком, а перформансы — происходят на выставках.

#2. Доверяй интуиции. Одно из главных научных открытий XX века — подсознание. То, что создает наше сознание, не раскрывает весь наш творческий потенциал — так что задействуй бессознательное.

#3. Следи за научными достижениями. Чтобы достучаться до зрителя, выросшего в эпоху науки, искусство должно быть конкретным, а не абстрактным, интегрировать опыт, который мы получаем через органы чувств, и применять научное знание.

«Общество спектакля» — Ги Дебор

«Общество спектакля» — это политический трактат 1967 года, где изложены основные идеи Ситуационистского интернационала (СИ) — левого движения, связанного со студенческими протестами 1960-х. Ситуационисты критиковали капитализм и протестовали против культуры потребления. Автор манифеста — лидер СИ, художник и режиссер Ги Дебор.

В «Обществе спектакля» есть два важных термина — «спектакль» и «ситуация», которым даны новые значения: 

«Спектакль» — это отчуждение от собственной жизни: выборы, реклама, коммерческое искусство и весь контент, который мы потребляем.

«Ситуация» — способ вернуть себе власть над собственной жизнью, понимание своих желаний (в общем, все то, что мы сегодня назвали бы осознанностью). 

После выхода книги Ги Дебор снял фильм «Общество спектакля»: кадры новой застройки, работы на заводах, модных фотосессий и кинопоказов сопровождаются текстом о том, что все это — иллюзия, настоящая жизнь скрывается за этим фасадом.

Слева: обложка первого издания «Общества спектакля», справа: кадр из фильма Ги Дебора «Общество спектакля»

СИ повлиял на уличное искусство, урбанистику, некоторые направления панка — например, группу Sex Pistols основали ситуационисты Малкольм Макларен и Джереми Рид.

Концентрат манифеста

#1. Практикуй dérive (дрейф). Так называется экспериментальное поведение в городском пространстве — из этой идеи выросли паркур и стрит-арт. Нарушай ожидания, импровизируй, забирайся в недоступные места.

#2. Будь реалистом — требуй невозможного. Если быть удобным, делать то, чего ожидает от тебя общество, — ни перемен, ни творческого прорыва не случится. Иди дальше, не бойся дискомфорта.

#3. Возвращай себе идеи, присваивай пространства. Потребление создает ощущение, что ты обладаешь всем, — но на самом деле это только картинка на экране. Высмеивая и доводя до абсурда эту иллюзию, мы возвращаем себе контроль.

«Догма 95» — Ларс фон Триер и Томас Винтерберг

В 1995 году режиссеры Ларс фон Триер и Томас Винтерберг написали манифест «Догма 95» о том, как снимать кино. Это ответ массовому кинопроизводству (как в Голливуде) и красивым фильмам с высоким статусом автора (как во французской новой волне). Авторы выступают против «индивидуальных фильмов» и культа режиссера. 

«Догма 95» утверждает, что кино — это не иллюзия, и оно не должно питать зрителей иллюзиями. В манифесте озвучены 10 принципов, которым должно отвечать кино (и режиссер должен дать обет их выполнения). «Догма» диктует, чтобы съемки велись на натуре, а не в павильоне, реквизитом было то, что уже есть в этом месте, а костюмами — одежда, в которой пришли актеры. Стрельба и убийства (то, чего не происходит во время съемок на самом деле) в фильмах запрещены.

По «Догме» снято больше 250 фильмов: «Торжество» Томаса Винтерберга, «Идиоты» Ларса фон Триера, «Итальянский для начинающих» Лоне Схерфиг, «Открытые сердца» Сюзанны Бир. Если фильм соответствовал всем принципам, ему выдавали сертификат с подписями авторов манифеста.

Сертификат «Догмы 95» на фильм Сюзанны Бир «Открытые сердца». Источник: wikipedia.org

Концентрат манифеста

#1. Будь честным. Авторы «Догмы» считают, что личные амбиции художника не должны затмевать идею произведения — продукт должен быть ценен сам по себе, независимо от имени автора.

#2. Обращайся к документальному материалу. Жизнь интереснее фантазии, реальные события увлекательнее, чем все, что мы можем придумать.

#3. Ставь на первое место персонажей и сюжет. Они интереснее людям, чем технические приемы. 

«Манифест жизни художника» — Марина Абрамович

Марину Абрамович называют «бабушкой перформанса»: ее первые работы появились в 70-е годы, когда перформативные выступления были непонятны и шокировали зрителей, а художников за них часто преследовали.

Творчество Абрамович обращено к человеческому телу, его границам и способам взаимодействия людей. Самая известная ее работа — «Ритм 0» (1974): художница разложила перед собой на столе 72 предмета и разрешила зрителям манипулировать ее движениями и использовать эти предметы как угодно. В этой работе она исследовала агрессию других по отношению к пассивному телу.

В 2011 году Марина Абрамович выпустила манифест — в котором говорит, что жизнь и творчество разделить невозможно, потому что художник полностью отдается креативному процессу. Текст очень короткий и может читаться как стихи. В нем несколько разделов: от правил жизни художника — до отношения к любовной жизни, страданиям, тишине и смерти:

Концентрат манифеста

#1. Создавай собственные символы. Язык каждого художника уникален, потому что в творчестве отражается индивидуальный опыт и мифология, которую ты создаешь вокруг него.

#2. Не путай депрессию с катарсисом. Страдание полезно для художника: оно помогает быть искренним. Но постоянно страдать — вредно: «Художник не должен быть в депрессии. Депрессия — это болезнь, ее нужно лечить».

#3. Уделяй время созерцанию. Художнику важно бывать в одиночестве и наблюдать за окружающим миром, абстрагировавшись от него. Наблюдай за «водопадами, извергающимися вулканами, быстрыми реками, звездами в ночном небе».