Skvot

Mag

Skvot              Mag Skvot Mag
Курсы по теме:
Не стыдно спросить: чем занимается коммерческий иллюстратор

Иллюстратор Аня Сарвира — о портфолио, авторском праве и работе с клиентами.

card-photo
card-photo
Юля Романенко

Автор в SKVOT

Чтобы стать иллюстратором, обязательно 5 лет рисовать кувшины в художке? Где искать заказы? Как сформировать свой стиль? Это только вершина айсберга под названием «что волнует начинающего иллюстратора».

Мы нырнули глубже и задали самые частые вопросы о профессии Ане Сарвире — иллюстратору, которая рисовала для издательств «Книголав» и «А-ба-ба-га-ла-ма-га», So Young Magazine, Hromadske, Coca-Cola Украина и UNICEF, соорганизатору клуба иллюстраторов Pictoric.

 

Реально ли стать иллюстратором без диплома?

В искусстве диплом не имеет значения — важно желание и трудолюбие. Среди моих знакомых иллюстраторов есть и выпускники художки, которые отучились 5 лет и поняли, что рисование им не зашло, и самоучки — которые самообразовывались и стали крутыми профи.

Образование дает две вещи: тусовку и качественную выборку знаний — не нужно перерывать тонны информации, это уже сделали за тебя. Но на постсоветском пространстве образование довольно специфическое. Не уверена, чего оно приносит больше — вреда или пользы.

Я, например, училась в художественной академии. Из хорошего — у нас были мастерские, мы рисовали много натуры. Ты 5 лет сидишь, ковыряешься в своих эскизах, ходишь на выставки, тусишь с классными людьми — и тебя никто не трогает. Из плохого — выпускаешься абсолютно неподготовленным ко «взрослой» иллюстраторской жизни. Тебя никто не учил, где искать заказы и как работать с клиентами.

Раньше у преподавателей в худакадемиях было романтизированное представление о профессии. И это понятно, потому что они начинали свою карьеру еще в СССР. Союз художников обеспечивал их всем необходимым: заказами, мастерской, жильем. Поэтому они такие: «Главное — заниматься искусством!».

Сейчас это меняется. Преподавать идут люди, которые зарабатывают себе на жизнь иллюстрациями. Они знают, как все устроено на практике, у них нет этого романтического флёра.

Что важно в себе развить, чтобы стать хорошим иллюстратором?

Смелость. Не закрываться в уютном мирке, не бояться рисковать и экспериментировать. Это тот случай, когда ты берешься за новый проект и понятия не имеешь, как его делать, но весь такой бодренький: «Да, давайте! Разберемся!».

Мы с детства привыкли, что ошибки — это плохо. Только с возрастом осознаешь, что в них нет ничего страшного — нужно просто сделать выводы и идти дальше. Даже суперлажовый проект, за который тебе ужасно стыдно и который хочется забыть как страшный сон, — это опыт. Главное, вынести из него урок.

Умение критиковать себя и признавать, если налажал. У моей преподавательницы была классная фраза: «Самое страшное — это работящие бездари». Я долго не понимала, что она имела в виду. Теперь понимаю. Если человек рисует, чтобы рисовать, и считает каждую свою работу шедевром, он не может расти и развиваться. С другой стороны, есть куча сильных художников, которые ударяются в самокритику и закапывают себя. Нужен баланс.

Погружение в тему. Чтобы иллюстрации получились небанальными и многослойными, важно посмотреть на тему проекта с другой стороны, копнуть дальше брифа клиента: почитать статьи, экспертные колонки. Без глубокого понимания предмета метафоричности не получится.

Тайм-менеджмент и менеджмент в целом. Это еще одна штука, которой не учат в художке. Коммерческий иллюстратор — это предприниматель. Он должен организовывать себя, а иногда и других. А после академии ты весь такой цветочек, надеешься, что будешь рисовать иллюстрации к одной книжке полгода. Наивный!

Юридический бэкграунд. Мне этого до сих пор не хватает. Иллюстратор должен понимать, какой объем авторских прав на свой рисунок он передает заказчику, и разбираться в налогах.

Какие бывают типы иллюстрации?

Понятие иллюстрации сейчас сильно размылось. Иллюстрацией называют все, кроме живописи. А иногда и ее тоже.

Иллюстрация бывает разной: книжная, журнальная и репортажная, графические романы и комиксы, дизайн (брендинг, упаковка, лого), реклама, принты и картинки для стоков, рекламы, игр, а еще муралы и фэшн-иллюстрация.

Для меня самое сложное — рисовать рекламу. Это большой бизнес, большие деньги и много уровней согласования. Иллюстратору в рекламе приходится работать в узких рамках, и места для творчества остается очень мало.

Проще всего, наверное, рисовать иллюстрации для книг — там есть где развернуться и можно особо не париться насчет ограничений.

С другой стороны, на книжках много не заработаешь. По крайней мере, на постсоветском пространстве. Наши издатели не рассматривают книжную иллюстрацию как бизнес — для них это скорее про искусство, что-то несерьезное. Однажды я работала с британским агентством — там все по-другому: книжные иллюстраторы получают хорошие деньги и живут припеваючи.

В Украине и других постсоветских странах книжный рынок только начинает оживать, но за последние лет шесть уже изменился в лучшую сторону: издатели продают права на книги за границу, хорошие иллюстрации ценят все выше, художникам готовы платить все больше.

Лет восемь назад я пробовала заняться стоковой иллюстрацией. Лазила по Shutterstock, Depositphotos и другим сайтам-агрегаторам, но надолго меня не хватило.

Чтобы этим зарабатывать, нужно отказаться от остальных проектов и посвятить все время стоковым картинкам: каждый день выкладывать по несколько работ и отслеживать тренды. Условно, если все бросились покупать рисунки тыкв — ты тоже садишься и рисуешь тыквы.

В чем разница между коммерческим иллюстратором и свободным художником?

Любой иллюстратор так или иначе зарабатывает. Если рисует на заказ — получает гонорар от клиента. Если занимается искусством — выигрывает гранты и стипендии. Для меня разница в стиле. Вернее, в его наличии.

Коммерческий иллюстратор — это человек, который не придерживается определенного стиля. Как клиент попросит, так он и нарисует.

Художник — человек полностью творческий, со своим стилем. Он сам себе заказчик и ни под кого не подстраивается. Но художник тоже может зарабатывать, создавая и продвигая свой бренд.

Хороший пример — проект украинской художницы Оксаны Булы «Тукони». Она придумала целый мир с нарисованными лесными жителями и делает с ними самый разный мерч: от значков и книжек до одежды и игр.

Коммерческо-творческий иллюстратор — это что-то между первым и вторым. Он готов подстроиться под условия заказчика, но стиль оставляет за собой. Я, например, так и делаю.

Обычно клиенты идут как раз на имя. Обращаясь к конкретному иллюстратору, они уже знают, что он рисует так-то и так-то, и хотят получить картинки в таком стиле.

Рисовать всё под всех — сомнительная тактика. Возможно, это принесет деньги, но удовольствие — вряд ли. Хотя на старте, когда выбирать не приходится, можно и подстроиться.

Вначале ты и сам не знаешь, в каком стиле хочешь рисовать. Потом начинаешь понемногу понимать, что тебе нравится, а что нет. Это что-то вроде эволюции.

Как избежать случайного плагиата, когда вдохновляешься чужими рисунками?

Нужно разграничивать вдохновение и плагиат.

Подметить какой-то интересный прием (например, как иллюстратор работает с цветами или строит композицию) — это как раз хорошо. Тут подсмотрел, там подсмотрел, все это переварил и переделал под себя.

В любом случае ты не будешь рисовать один-в-один как другой иллюстратор, если только намеренно не копируешь.

Где вдохновляться иллюстратору, кроме биханса и пинтереста?

На бихансе и пинтересте и правда постят все подряд: и хорошее, и плохое, злое. Но мониторить эти площадки тоже нужно, чтобы понимать общую картину.

Чтобы прокачать насмотренность и определиться, в каком направлении хочешь развиваться, полезно смотреть работы призеров конкурсов и фестивалей иллюстрации, где есть профессиональное жюри.

Для всех-всех иллюстраторов:

 World Illustration Awards

— Red Dot Design Award

— Society of Illustrators Competitions

— 3x3 International Illustration Awards Show

Для книжных и журнальных иллюстраторов:

— International Illustrated Silent Book Contest

 iJungle Illustration Awards

— Болонская книжная ярмарка

— Шанхайская книжная ярмарка

В каком софте лучше начинать?

Сначала нужно решить, что именно ты хочешь рисовать — векторные или растровые иллюстрации. Исходя из этого выбирать инструменты. 

Для векторной графики подойдет Adobe Illustrator или CorelDraw. Для растровой — Photoshop — я, например, там работаю. Для 3D-иллюстраций — Autodesk 3ds Max и ZBrush.

Какую именно программу ты выберешь — не так важно, кто-то даже в Excel умудряется рисовать.

Еще тебе понадобится графический планшет. Можно начать с недорогого, китайского, или взять подороже, но подержанный (например, Wacom). Главное, не мышкой рисовать — это сковывает движения, рука быстро устает.

Что еще нужно, кроме базовых навыков рисования?

Зависит от того, в каком направлении иллюстрации ты работаешь. Везде свои нюансы.

Если создаешь персонажей для компьютерных игр — будет круто, если ты сам рубишься в Counter-Strike и знаешь, как там все устроено.

Если рисуешь анимацию для интерфейсов — важно понимать, что такое юзабилити, иначе картинка выйдет красивая, но бесполезная.

Если иллюстрируешь книжки — разбираться в композиции книги и книжной верстке.

Любой бэкграунд или хобби можно обратить на пользу себе как иллюстратору. У иллюстратора-математика не будет проблем с перспективой, а иллюстратор-ботаник нарисует цветы с правильным количеством пестиков и тычинок.

Где искать первые заказы, пока я ноунейм?

Можно писать компаниям напрямую, а можно работать через иллюстраторские агентства — за определенный процент от гонорара (обычно 20-30%) они найдут тебе клиентов. Но главный принцип — стучись, куда только можно.

Обычно заказчики не ищут иллюстраторов целенаправленно, а берут тех, кто на слуху. В книжных издательствах, например, часто нет арт-директоров, которые отвечали бы за концепцию и отбор художников. Издатели просто смотрят, кто делал иллюстрации для конкурентов, и такие: «О, неплохо рисует, миленькие персонажи. Берем». Поэтому пока ты не засветишься в каком-нибудь проекте, заказчику будет сложно на тебя выйти.

Плюс, люди из бизнеса часто не в курсе, who is who на рынке иллюстрации. Бывает так: какой художник первым постучался к бренду, того и взяли.

Если тебе отказали — не принимай это близко к сердцу. Причина не обязательно в том, что ты недостаточно известный. Компании или агентству может не подойти твой стиль или у них уже есть иллюстратор, который рисует похоже.

Крутые бренды берут только известных иллюстраторов?

Не всегда. Люди хотят чего-то свежего. Если прокачанный медийный иллюстратор уже поработал со всеми конкурентами, скорее всего, компания будет искать нового художника, пусть и не такого раскрученного.

Как иллюстратору собрать портфолио, которое приведет клиентов?

#1. Поддерживай актуальность. Оставь только работы не старше 2-3 лет и в том стиле, в котором ты рисуешь и планируешь рисовать в ближайшем будущем.

У меня самой рука не поднимается удалить некоторые проекты из портфолио — они мне очень дороги, это каждый раз «ауч!». Но сильный разброс вводит заказчика в заблуждение — он должен понимать, чего от тебя ждать.

#2. Сгруппируй стили. Когда заходишь к иллюстратору на биханс и видишь смесь работ в разных техниках — и карандашные наброски, и абстракции, и анимации, — это сбивает с толку. Нужно разложить проекты в разных стилях по папкам или создать под каждый стиль отдельное мини-портфолио.

#3. Положи в портфолио не меньше пяти работ. Так заказчик уловит твой стиль и убедится, что хорошие иллюстрации для тебя не случайность, а закономерность.

Как понять, сколько просить за иллюстрацию?

Первый критерий — время на работу.

Технически одну иллюстрацию я рисую 3 дня. За это время я успеваю найти рефы, придумать идею и сделать готовую картинку. Еще день уйдет на правки — и день закладываю на коммуникацию. В сумме выходит одна рабочая неделя. Дальше — чистая арифметика: считаю, сколько денег в месяц мне нужно, чтобы прожить, и делю на четыре.

Когда я только начинала, то вела много проектов одновременно, чтобы хоть как-то держаться на плаву. Со временем твоя экспертиза растет, а с ней и ценность. Можно брать меньше заказов, получая те же деньги, а то и больше.

Второй критерий — авторские права. В зависимости от того, какой объем прав на иллюстрацию ты отдаешь клиенту, цена тоже меняется.

Иллюстратору-новичку за простенькую иллюстрацию (например, открытку) можно просить $50. Опускаться ниже я бы не советовала просто потому, что за время создания иллюстрации ты потратишь больше денег на еду. Можно выбрать другую тактику — рисовать быстро. Если за день ты сделаешь четыре такие открытки, это уже неплохие деньги. Но тогда страдает качество.

В работе с клиентом о чем важно договориться на берегу?

Все, что можно проговорить и прописать в контракте, нужно проговорить и прописать:

Количество эскизов и правок. Договорись с заказчиком, сколько правок, какого характера и на каких этапах он может вносить бесплатно. Все, что сверх — за дополнительные деньги. Так ты перестрахуешься от просьб в духе «замени яблоко на грушу, потому что клиент не любит яблоки».

На этапе эскиза легко менять цвета, композицию и вообще все что угодно. А вот если заказчику категорически не нравится иллюстрация и он скажет об этом только в самом финале, придется начинать все заново.

Иногда я дополнительно спрашиваю, сколько человек будут давать правки, чтобы понимать, насколько долгим и мучительным будет этот процесс. В зависимости от этого прошу больше или меньше денег.

Дедлайн. Всегда четко очерчивай сроки. Частая история, когда заказчик хочет картинку «на вчера», ты все бросаешь и рисуешь ее, а потом ждешь фидбека месяц. И вот, когда ты уже с головой в другом проекте, объявляется первый клиент с правками, которые срочно нужно внести.

Рассчитывай время на работу с запасом. Технически рисунок займет несколько часов, но на то, чтобы переделать эскизы, подобрать цвета и доработать разные нюансы, уйдет целый день. Я считаю так: если кажется, что успею нарисовать картинку за 4 часа, — рассчитываю на 8, плюс закладываю время на правки.

Авторские права. Важно проговорить, с какой целью, в каких видах продукции, в течение какого периода и на какой территории заказчик сможет использовать твою иллюстрацию и ее фрагменты.

Можно продать исключительные права одному заказчику раз и навсегда, а можно продавать неисключительные права разным клиентам в разных странах и жить с одной картинки долгое время.

Гонорар. Как правило, клиент платит аванс на начальном этапе работы, а остальную сумму — в течение месяца после того, как получает готовые иллюстрации. В идеале — договориться, что даже если заказчику не подошли эскизы, он все равно должен их оплатить.

Если клиент говорит: «За этот проект я сейчас не могу заплатить, но ты сделай еще один — потом заплачу за два сразу» — не верь. Если у него нет денег на один проект, то на два тем более не будет.

Как выглядит твой цикл работы над проектом?

Обычно на иллюстрацию одной книги у меня уходит от двух месяцев до полугода — в зависимости от включенности. Я работаю в несколько этапов:

1. Уточняю ТЗ. Не все и не всегда сразу пишут, какую именно иллюстрацию хотят получить.

2. Ищу референсы. Например, если мне заказали иллюстрации к книге про Индию — смотрю индийские фильмы, гуглю, пинтерещу, пытаюсь уловить визуальный стиль, подбираю цветовую палитру и составляю мудборд.

3. Делаю эскизы. Сначала контурные, потом цветные — и показываю клиенту, чтобы понять, в ту ли сторону я двигаюсь. Обычно на первые скетчи уходит много времени, дальше — проще.

4. Финализирую иллюстрацию. После того, как клиент дал фидбек, я вношу правки, дорабатываю композицию и добавляю детали. Если на картинке есть лого — проверяю, в хорошем ли он качестве, если есть текст — нет ли там ошибок.

5. Презентую клиенту. Если вопросов нет, остается только навести порядок в слоях в исходнике (дать правильные названия, ненужные — склеить, лишние — удалить), сохранить в нужных форматах и размерах и выслать заказчику.

Окей, я хочу стать коммерческим иллюстратором. С чего начать?

1. Представь, что уже занимаешься иллюстрацией. Но не как хобби, а чтобы заработать на жизнь.

У многих при слове «иллюстратор» в голове появляется образ беззаботного художника, которому бабочки приносят краски. На самом деле тебе придется рисовать каждый день по многу часов и работать в жестких дедлайнах.

2. Подучи основы композиции, работы с цветом и анатомии — если чувствуешь, что не хватает «рисовательной» базы.

3. Практикуйся. Если реальных заказов пока нет, придумай их. Нарисуй афишу для несуществующей выставки или альтернативную обложку для любимой книги.

4. Бросайся в бой. Пиши потенциальным клиентам, показывай портфолио и предлагай нарисовать что-то для них.

Поделиться материалом
РАССЫЛКА SKVOT

Раз в две недели мы отправляем новые публикации и анонсы курсов на почту