Skvot

Mag

Skvot Mag
Курсы по теме:

Как иллюстратору найти себя

Зачем искать авторский стиль и что может этому помешать.
card-photo
card-photo
Daria
Far

Лектор курса «Иллюстрация»

26 мая, 2021 / Иллюстрация / Статья

На обложке — работа Daria Far для Парка Горького

Поиск авторского стиля в иллюстрации — задача важная и непростая. Каждому хочется быть такими же, как Сол Стейнберг или Арт Шпигельман, но не у всех получается.

В своей колонке лектор курса «Иллюстрация» Daria Far (Даша Фартушняк) объясняет, зачем искать свой стиль и какие «драконы» могут встретиться на этом пути. А еще успокаивает тех, кто свой почерк пока что не нашел.

 

Зачем нужен свой стиль

Многие хотят найти свой стиль, потому что так диктует эго: хорошо же, когда тебя как художника узнают, а твое видение считают авторитетным. 

Но эта история — не только про самоутверждение. У сформированного авторского почерка есть и вполне утилитарная функция: он помогает клиентам понять, чего ожидать от тебя как от иллюстратора

Иллюстрация «с именем» может стоить очень дорого, потому что тут есть добавочная ценность — личный бренд. Но авторский стиль не гарантирует бесконечного денежного потока. Наоборот: заказов обычно не так много — но это справедливая плата за индивидуальность.

Мне очень нравится иллюстратор Эмбер Виттория. У нее куча проектов с известными компаниями, но она время от времени спокойно пишет: «Сейчас у меня нет заказов». В такие паузы она находит новых клиентов или продает свои принты в разных размерах и ценовых категориях — совмещая все возможные источники дохода.

Просчитать уровень дохода никогда не получится наверняка. Сейчас есть большой клиент, а через месяц — нет. Ты можешь одновременно рисовать и за $2500, и за $100. Но, скорее всего, гонорары у тех, кто нашел свой стиль, будут выше, чем у тех, кто рисует «что закажут». Иллюстратор с авторским подходом — в меньшей степени ремесленник, чем тот, у кого своего подхода нет.

Поиск стиля — не разовая акция, он складывается и перескладывается годами. Но это того стоит: со своим стилем тебе будет комфортнее в иллюстраторском мире, и именно за авторской оригинальностью придут клиенты.

Что мешает стилю формироваться

На пути к своему авторскому стилю иллюстратор часто встречается с «драконами» — предубеждениями, которые мешают добраться к цели. Рассказываю, какими они бывают и как их победить.

#1. Меганасмотренность

Главный «дракон» — не слабая, а чрезмерная насмотренность. Когда следишь за разными иллюстраторами, хочешь не хочешь, а начинаешь копировать их приемы. 

Лучше смотреть в смежных сферах: искусство и дизайн — коммуникационный, моушн. Я часто захожу в журнал it’s nice that и его ютуб-канал с лекциями и talks с дизайнерами и художниками. Еще смотрю блог иллюстраторской премии The AOI — там много рисунков в разной стилистике.

Если я все-таки использую референс, то стараюсь нарисовать максимально по-своему. Чтобы не скопировать лишнего, а все-таки создать свою версию, советую не ставить референсы в рабочем поле программы, когда рисуешь.

Посмотреть курс

#2. Авторитеты сферы

В разных сферах — разные авторитеты стиля. И если собираешься сохранить свой подход, лучше найти соответствующую среду. 

Например, если хочется рисовать милых животных, лучше идти в издательство детских книг, а не к крупному автобренду. Если у тебя дарксайдовский стиль (любишь черный цвет и рисовать дьяволов), вряд ли будешь коммерчески успешен в иллюстрациях для социальных медиа. Лучше пойти в анимационную студию, где сможешь спокойно создавать такие миры.

Но если долго бить в одну точку, может и получиться. Например, Филип Паговски создал логотип-сердечко для Comme des Garçons «вживую» — руками, а не на компьютере. Но таких случаев — один на миллион, в брендинге и айдентике подобное редко увидишь.

Иллюстрация — не про реальное изображение, а про образность. Аудитории нравится что-то иногда даже сюрреалистическое, когда заложенная иллюстратором метафора не с ходу считывается. Поэтому (и это хорошая новость) все больше клиентов готовы к визуальным экспериментам. 

Например, недавно довольно серьезный клиент утвердил мою иллюстрацию — хоровод мухоморов — про рост продуктовой команды. Метафора там простая: команда быстро выросла, как грибы после дождя, и работает сплоченно и весело как семейство.

#3. Деньги

Иллюстратор — в чем-то ремесленник: ты выполняешь задачу в заданных координатах и часто по референсу. И даже в таких условиях можно сделать все немного по-своему. 

Да, ты делаешь то, за что платят, но попытайся в каждую такую работу по максимуму запихнуть своего стиля и настроения. Понятно, если нужно сделать иллюстрацию в стиле гравюры — вряд ли получится нарисовать розовых бабочек. Но хоть одну бабочку можно засунуть. По итогу заказчик будет в принципе согласен (потому что все по брифу), но из таких вот маленьких дополнений сложится намек на твой стиль.

Когда я работала в дизайн-студии, каждый месяц приходилось рисовать в абсолютно разных стилях. Тогда у меня уже начал складываться свой подход и было сложно себя перекроить. Я поступала так: соглашалась с тем, чего хотел клиент, а потом добавляла свои простые формы и цветовую палитру.

В итоге я смогла многие студийные проекты использовать для своего портфолио. Иллюстраций «четко по референсу» оказалось меньшинство — и их я никогда никому не покажу:)

#4. Тренды

В иллюстрации трендовыми могут быть сразу несколько стилей. Нет жесткого стиля, которому нужно поклоняться. Например, flat- и outline-иллюстрации до сих пор никуда не делись, 3D тоже в тренде. Если хочется акварели — можно пойти в книжную иллюстрацию, там она всегда остается, это классика.

В 2014 году на dribbble были сплошь полигональные ломанные формы. А сейчас — человечки с большими ногами и маленькими головами. Ксоана Эррера задала для фейсбука такую стилистику иллюстраций — и во всех приложениях и интерфейсах стали рисовать таких человечков.

Гротеск — это клевый тренд, но нужно искать свои выражения лиц, формы. Я купилась на эти аморфные фигуры, когда они еще не были мейнстримом. Тогда мне это казалось свежим, а сейчас этот прием используют многие иллюстраторы. Но я все равно люблю эти пропорции, просто делаю их по-своему: 

Иллюстрация для SKVOT-курса. Источник: far-studio.es

#5. Монотонность

Чтобы сохранить интерес к делу, многие иллюстраторы ищут для своего стиля новые формы — например, делают скульптуру, арт-объекты или мерч. Создал видеопроекцию, написал картину маслом для интерьера — уже веселее. Еще можно придумать себе нового персонажа. Например, часто рисуешь девушек, а крокодилов не умеешь, — месяц рисуй крокодилов.

В Британке на курсе Виктора Меламеда есть такое упражнение: за короткое время 30 раз нарисовать один и тот же сюжет. В новой композиции, в новом стиле — так нащупываешь новый вектор, в котором хочется рисовать.

Еще помогает просто переключиться на что-то другое. Например, год назад я посмотрела на свое портфолио и подумала, что мне это все не нравится — какие-то цветные пятна простецкие. Пробовала что-то рисовать по-новому, но тоже не понравилось. А потом 2 месяца занималась проектом вообще без иллюстраций. По итогу я вернулась к тем же пятнам и контраформе — и они мне показались самыми замечательными и «моими».

Конструктор своего стиля 

Нужно взять абсолютно все свои работы и перенести их на артборд. Пусть там будут твоя цветовая палитра, линии, свет и тени, способ отрисовки головы и глаз. Из всего этого выбираешь, что тебе больше всего нравится — что может стать твоей фишкой.

Например, у тебя есть вайб рисовать глаза-рыбки. Старайся делать это во всех своих проектах. Иллюстратор не всегда может подписать свою работу, но в узком кругу арт-директоров и дизайнеров по этим рыбкам поймут, кто нарисовал картинку.

Обязательно включай свои работы в каждый свой мудборд для клиента. Так сможешь протянуть свой стиль из проекта в проект — и тебя начнут узнавать.

Приглашения на открытие — айдентика для катка в Парке Горького. Источник: far-studio.es

Стиль — не the must

Есть сферы, в которые совсем не обязательно заходить с собственным стилем, — и это окей. В медиа у иллюстратора постоянно новые сюжеты — и можно рисовать в разных стилистиках. В книжной иллюстрации тоже большое пространство для эксперимента: от волшебных сказок — до взрослых повестей. Еще вариант — рисовать иллюстрации для стоков

Кому-то интересно быть максимально мультидисциплинарным — участвовать в разных проектах, подстраиваться под разные задачи. Например, в крупной анимационной студии на 50 человек иллюстратору со своей особенной стилистикой не место. Там он не сможет делать «свои» работы — но сможет стать частью чего-то большего. И это тоже классно.

Поделиться материалом