Skvot

Mag

Skvot Mag
Курсы по теме:

Антон Або: «Хорошая иллюстрация не привязывается к трендам»

Иллюстратор и графический дизайнер — про конструктор персонажей, логоманию и Баухаус.
card-photo
card-photo
Юля
Романенко

Авторка в SKVOT

12 января, 2022 / Иллюстрация / Статья

Лучший антидот от выгорания — переключение. По этому принципу живет и работает Антон Або. Раньше он был арт-директором украинского бренда одежды Syndicate, а сейчас развивает собственный фэшн-проект M0D44, рисует сам и учит рисовать других.

О переходе от иллюстрации к фэшену и обратно мы говорили с Антоном в прошлый раз. А в этом интервью сконцентрировались на том:

 

Ты проработал в Syndicate 9 лет — звучит как ооочень долго. Как в рамках одного проекта развиваться, а не выгорать?

В Syndicate у нас было много разноплановой работы. Помимо создания коллекций, нужно было работать с иллюстраторами и дизайнерами, были какие-то выставки, поездки — мы переключались, и это помогало не выгореть.

Я в целом больше люблю долгосрочные проекты. До Syndicate я успел поработать в разных компаниях. Были проекты, которыми я занимался только полгода, — но мне такие штуки не очень нравятся: только привык к коллективу, а уже пора уходить.

Меня очень выручает возможность переключаться — между проектами, задачами, направлениями. Например, сейчас я занимаюсь фэшн-брендом M0D44. Создание коллекции делится на несколько этапов: сначала придумываешь дизайн одежды, потом выбираешь ткани, ждешь, пока производство отошьет тиражи, потом рисуешь принты и так далее.

Параллельно я преподаю, занимаюсь иллюстрацией, а еще недавно вернулся в баскетбол — физическая активность здорово разгружает мозг. Плюс у меня есть семья и ребенок, который не дает заскучать :) Это тоже некий переключатель.

Работая в рамках одной индустрии, нельзя упираться во что-то одно. Если бросать на это все силы, не делать ничего, кроме этого, и не отдыхать, восстановить затраченную энергию будет крайне сложно.

Посмотреть курс

Большинство твоих иллюстраций — это персонажи. Как появляются идеи для них и что делает их живыми?

Я не всегда знаю, каким должен получиться персонаж — его образ выстраивается уже в процессе. Сначала я набрасываю динамичную композицию, а дальше начинаю лепить самого человека (или существо). Это чем-то напоминает сборку конструктора.

Когда я учился в Киевском институте (сейчас — академии) декоративно-прикладного искусства и дизайна, у меня были проблемы с академическим рисунком. И я до сих пор не дружу с анатомией. Возможно, это тоже влияет на мой подход: я все время что-то упрощаю, отбрасываю, стилизую. Плюс люблю всякие гиперболизированные формы. Растягивание, искажение — это мне тоже близко.

Мне нравится, когда в персонажах есть движение. Я даже обратил внимание, что лет десять-пятнадцать назад, когда я активно занимался иллюстрацией, у моих персонажей были очень активные жесты и позы. Меня все время тянет к какой-то динамике — она цепляет. Через движения ведь тоже можно рассказывать истории.

Кстати об историях. Ты часто говоришь о нарративе в иллюстрации — как рассказывать визуальные истории в 2022?

Мне кажется, с годами ничего не изменилось. Нарратив как концепция существует не одну тысячу лет — люди рассказывают истории с тех пор, как научились коммуницировать. Просто само понятие сторителлинга появилось относительно недавно (и превратилось в buzz word).

Законы построения историй универсальны. К этому выводу пришел еще Джозеф Кэмпбелл — исследователь мифологии и автор книги «Тысячеликий герой». Он проанализировал мифы разных народов мира — и обнаружил много паттернов, которые повторялись вне зависимости от региона, культуры и религии. Эти паттерны работают по сей день — и вряд ли в 2022 году в этом плане что-то изменится.

Трендхантеры говорят, в графической культуре началась эра максимализма. Ты с этим согласен? Как вообще относишься к трендам?

Я считаю, что хорошая, серьезная иллюстрация не привязывается к трендам. Возможно, в узких нишах они есть (например, flat-иллюстрация в UI/UX), но в целом со времен египетских фресок не многое поменялось. Да, появилось много новых инструментов, но это не изменило иллюстрацию как направление (в отличие от графдизайна, например). Это говорит о ее самодостаточности.

Графические техники и инструменты, которыми пользовались N лет назад, актуальны и сегодня. Визуальный язык автора и его высказывание — вот что важно. А как это будет реализовано — карандашом на бумаге или в Cinema 4D, — не имеет значения.

Я всегда говорю, что умение рисовать — важно, но оно не на первом месте. Куда важнее (и сложнее) научиться мыслить и придумывать. Есть много крутых иллюстраторов, которые плохо рисуют, но придумывают классные истории — и благодаря этому их рисунки уже воспринимаются совершенно по-другому. Они не выглядят слабыми — наоборот, они как будто поддерживают историю.

3D, VR — это всего лишь инструменты. Да, они позволяют делать интересные штуки, но они не меняют индустрию. В ближайшие годы 3D- и VR-иллюстраторы наверняка будут востребованы. Если человек хочет только зарабатывать и выбирает перспективную нишу — пожалуйста. Но отталкиваться от инструмента в начале пути точно не стоит. И в целом важно помнить, что это только один из вариантов. Хороший иллюстратор может вообще не заходить на территорию 3D/VR — и всегда иметь работу.

Насчет максимализма — согласен, вижу его. Но не в иллюстрации, а в фэшене: минимализма и нормкора, которые были так актуальны лет пять назад, теперь и близко нет. Сейчас в дизайне одежды много максималистских штук: вся эта логомания, навешивание огромного количества графики, деталей и так далее. Не знаю, как долго это продлится, — от логомании уже все устали, но пока этот тренд продолжает жить.

Из коллекции бренда M0D44. Источник: m0d44.com

Возможно, фэшн концептуально опережает некоторые другие направления и задает им не то чтобы тренды — скорее векторы. Так же, как анимация многое диктует иллюстрации.

Только в SKVOT ты провел не один и не два курса по иллюстрации, через тебя прошли сотни студентов. Что для тебя преподавание?

Для меня это в первую очередь борьба с собой. Я достаточно закрытый человек, и вначале общение с большой аудиторией давалось мне крайне сложно. Но мне было интересно попробовать — я чувствовал в этом какой-то потенциал.

Преподавание — это ответственность. Ты не можешь отвечать на вопросы студентов поверхностно, не можешь сказать: «Извините, сейчас нет времени». Человек пришел за знаниями, за помощью — ты должен его поддержать, направить. И шаблонные решения здесь не сработают, потому что каждый новый поток не похож на предыдущий. Я за индивидуальный подход — с ним начинаешь лучше понимать других и себя.

Я знаю, что некоторые лекторы прописывают фразы-скрипты, которые потом можно просто копировать и вставлять, — я никогда такого не делал. Даже если нужно ответить одним-двумя предложениями, я стараюсь каждый раз писать новое, а не копировать заготовки.

Студенты отзываются о тебе скорее как о менторе, чем об учителе: ты советуешь и направляешь, а не говоришь, «как правильно». Как ты пришел к такому подходу?

Я не то чтобы целенаправленно его выбирал — он мне просто ближе. Я сам знаю далеко не все. Бывает, ко мне на курс приходят иллюстраторы, которые рисуют и придумывают истории намного круче меня. Мне всегда стыдно, что я не могу дать им больше. Даже стесняюсь комментировать их работы. Так и пишу: «Классное решение, мне нечего добавить».

Плюс мой курс рассчитан на иллюстраторов с опытом — на продвинутом уровне в концепции «правильно-неправильно» обычно нет большой необходимости. 

Мне нравится подталкивать, заставлять людей думать. Я даже лекции стараюсь строить в размышлительном ключе. Беру работы сильных иллюстраторов — и начинаю анализировать: разбираю на детали и предлагаю варианты, как можно использовать этот опыт в своих работах.

Ты говоришь о том, что иллюстратору очень важно учиться non-stop. Что самое важное в процессе обучения?

Здесь сходится много разных факторов. Несколько лет назад я думал, что не хочу отдавать своего ребенка в классический университет — лучше он после школы пойдет на специализированные курсы, за год-два получит практические навыки (а не только выучит теорию) — и пойдет работать.

Но потом пообщался со своими опытными друзьями — и они убедили меня, что не стоит обесценивать традиционную систему образования. Может показаться, что это пустая трата времени, — но это важный этап. Ребенок не может сразу выбрать какое-то одно узкое направление, но и ничем не заниматься тоже не может. Мозг развивается, ему нужна какая-то нагрузка.

И пусть традиционная система образования во многом устарела, но что в ней точно стоит сохранить — так это разноплановость. Круто, когда ты попадаешь в институт и, кроме профильных предметов, изучаешь что-то еще. И в какой-то момент это «что-то еще» может пригодиться, даже если сейчас кажется бесполезным. Концентрироваться только на своей специализации — значит ограничивать себя.

А как подходить к образованию иллюстраторам, на что делать упор?

Мне нравится подход школы Баухаус, где художники пробовали разные направления — работали с металлом, текстилем и так далее. Так же это работает и в других нишах. 

Если говорить об иллюстраторах, помимо рисования и работы с нарративом важно изучать антропологию, философию, историю искусств, литературу. Больше смотреть по сторонам и получать дополнительный опыт — он расширяет границы.

Твоя любимая практика — ежедневный скетчинг. Как заставить себя рисовать регулярно, а не бросить на следующий день?

Начну с того, что я сам постоянно бросаю :) Но бросаю только потому, что сейчас для меня приоритетнее другие проекты. А так — мне непонятен подход нерисования. Если ты хочешь стать иллюстратором, ты не можешь не рисовать. Это то, что отличает хороших иллюстраторов от поверхностных — они все время что-то рисуют. Ходят на пленэры, рисуют людей у метро.

Проблема многих иллюстраторов в том, что они ждут вдохновения и гениальных идей. А до тех пор не приступают к работе, только мучаются. Когда я даю студентам задание что-то нарисовать, некоторые ребята жалуются: «Но со мной сегодня ничего интересного не случилось — я сидел дома, ничего особо не делал». Не проблема — у вас на столе стоит цветок, придумайте историю про него. Или про стул. Или про стол. Да про что угодно!

И потом, не обязательно рисовать прямо каждый день. Если чувствуешь, что нужно отдохнуть, никто не запрещает пропустить день, неделю — да даже месяц. Это нормально.

Еще хорошая практика — устанавливать себе правила. Не просто рисовать каждый день — а делать скетчи на время, использовать инструменты, с которыми никогда не работал или которые не очень любишь. Это добавляет тренировкам элемент игры и может дать новый, неожиданный результат.

Дай один простой и прикладной совет начинающему иллюстратору?

Смотреть по сторонам. Важно не зацикливаться на чем-то одном, а стараться получить максимально разный опыт: читать разные книги, смотреть разные фильмы, слушать разную музыку. И учиться мыслить.

Поделиться материалом