Skvot
Mag
- PRODUCT DESIGN: LEVEL-UP (с 29 ноября)
- ART DIRECTION (с 30 ноября)
- UX-ИССЛЕДОВАНИЯ: ПРОЦЕСС, МЕТОДЫ, ИНСТРУМЕНТЫ (с 02 декабря)
- CINEMA 4D (с 06 декабря)
7 способов работать с идеями
Когос
Студентка ILLUSTRATION
Любая иллюстрация начинается с идеи. Чем она глубже и весомее, тем больше шансов, что картинка зацепит — работу захотят рассматривать, анализировать и даже пересказывать.
Настя Когос — художник, аниматор, коммуникационный дизайнер и выпускница курса Антона Або по иллюстрации — объяснила, как формулировать, отбирать, миксовать и прорабатывать идеи для иллюстраций. Все на примере своих учебных работ.
Раскачивай воображение
Мозг любит экономить энергию — поэтому он за быстрые решения. Но зачастую они очень банальные, а в иллюстрации так нельзя. Поэтому делай все, чтобы научить свой мозг не останавливаться на чем-то «обычном», а легко формировать новые интересные образы.
Для этого прокачивай навыки придумывания. Погружайся в непривычный контекст, будоражь нейронные связи, отказывайся от привычных паттернов.
В этом помогут такие упражнения (на 3–10 минут в день):
- #1. Рисуй каракули — выстраивай из них образы и сюжеты. Чем безумнее, тем веселее.
- #2. Совмести предметы, качества, эмоции — и порисуй новые образы, которые приходят в голову. Чем дальше «компоненты» друг от друга, тем неожиданней решения.
- #3. Бери что-то привычное — и меняй его свойство, функцию, размер или материал. Меняй контекст в любимых картинах, сценах из фильмов или мемах.
- #4. Задавай себе очень странные вопросы — например, «о чем думает теннисный мяч в зубах у собаки?».
Если делать эту тренировку регулярно, со временем у тебя накопится библиотека собственных идей, образов и метафор, которыми можно жонглировать в других проектах. Это спасет, когда дедлайны жесткие и вдохновения совсем нет.
Например, на курсе было быстрое задание на совмещение разных объектов, чтобы создать новые образы — я сделала несколько зарисовок:
Один из образов этого сета, рогатка с маской, мне показался очень удачным, хотелось его где-то использовать. И очень скоро у меня появилась такая возможность.
В конце курса нам нужно было сделать музыкальный постер. Я поймала себя на мысли, что из-за пандемии сам факт существования музыкальных ивентов стал казаться чем-то нереальным. Тогда я развернула идею так: все концерты будут с датами «никогда» и локацией «нигде», пока мы все не начнем носить маски. В этом плакате использовала ту самую рогатку с маской из «быстрого» задания:
Установи ограничения
Когда задача сформулирована четко и в ней есть понятные рамки, направить энергию в правильное русло проще. Если рамок нет, ты просто не знаешь, в какую сторону двигаться, и впадаешь в ступор.
Бывает, рамки появляются в самом начале (от заказчика или ты ставишь их сам), бывает — в процессе, из-за возникших сложностей. Все эти моменты могут послужить отличным импульсом для креатива.
Одно из заданий, которое дал нам Антон, звучало так: сделать набор телеграм-стикеров для студии шелкографии Printostan — реального заказчика. Нужно было придумать персонажа, который бы отображал то, чем занимаются ребята, какими инструментами они пользуются и так далее.
Инструменты студии выглядели очень сложно, а рабочие процессы (хоть и дико интересные) на конкретные образы меня не вдохновляли. И тут я подумала: «Цвета — это ведь тоже инструмент». И решила сделать пантоны, которыми ребята печатают свои работы, главными героями: они символизировали определенное состояние или эмоцию.
Собери майндмэп
Упростить и структурировать поиск выразительных ассоциаций (особенно в новой теме) поможет майндмэп — ментальная карта, или дерево ассоциаций. Работай с этим инструментом так:
#1. Погрузись в контекст. Залей в себя максимум информации: узнай у клиента инсайты по теме (он в ней эксперт и наверняка знает что-то интересное), посмотри фильмы об этом, почитай форумы и посты в профильных соцсетях, проанализируй мемчики.
Чем больше фактов «не на поверхности» соберешь и чем лучше поймешь, что реально «болит» у людей, которых эта тема касается, — тем выше шансы сделать образ интереснее и попасть в точку.
#2. Выпиши ключевые слова. После глубокого рисерча в голове будет достаточно образов, чтобы выстроить карту ассоциаций. Запиши слова, связанные с главной темой, и к каждому корневому слову подбери сет ассоциаций. И так еще 2–3 круга.
На курсе мы составляли майндмэпы к слову «гиперреальность» — вот как выглядел мой:
#3. Выбери свое. Дерево ассоциаций может получиться слишком большим. Чтобы не запутаться, сосредоточься на словах и темах, которые тебе откликаются или соприкасаются с личным опытом.
Даже если тема кажется новой, всегда можно найти ее пересечения с тем, что ты уже знаешь. Почувствуй эти точки — и создавай новые круги ассоциаций, оттолкнувшись от них.
Когда карта готова, начни перебирать пары слов, нащупывать интересные образы и миксовать их.
Гиперболизируй, утрируй, используй метафоры
Если иллюстрация слишком сухая и недостаточно выразительная, я вспоминаю о своих любимых стилистических приемах (тропах): утрировании и гиперболизации.
Обычно их используют для усиления заглавного образа/мысли — того, на чем сделан акцент в работе. Например, что-то большое делаешь огромным, не вмещающимся в формат листа. Позу упавшего человека — еще более кривой и изогнутой, а части его тела — суперзапутанными. Эмоции — выкручиваешь на 200%. В сюжете это тоже работает: если смысл плосковат, просто подними градус абсурдности.
Например, в работе про гиперреальность я оттолкнулась от слов «иллюзия» и «идентичность» — и использовала иллюзию с комнатой Эймса (накануне смотрела фильм про девушку с аутизмом, которая сделала модель такой комнаты). И самую большую фигуру в этом пространстве я довела до просто неестественно гигантского размера. Это подчеркнуло идею работы:
Второй любимый троп — метафора, переносное значение на основе аналогии или сходства. По сути, метафора — это способ создать интересный смысловой ребус, и когда зритель его разгадывает, у него появляется радость от решения. Если момента приятного понимания не случится, картинка не зацепит — и зритель уйдет разочарованным.
Одним из заданий курса был поиск метафоры к какой-то черте своего характера. Я выбрала overthinking — много думаю об этом последнее время (ха!). Само слово overthinking погружает меня в тревожность — и похожее ощущение возникает, когда я скролю ленты соцсетей. Якобы я отдыхаю и «просто смотрю в телефон», но на деле в меня вливается море информации — и замещает поток моих мыслей. В этих состояниях я нашла эмоциональную и функциональную схожесть:
Настаивай и отсеивай идеи
Когда придумаешь что-то (или даже зарисуешь), переспи с идеей хотя бы одну ночь — а наутро оцени ее свежим взглядом, докрути/переделай неработающие части или смиксуй сильные стороны. Ну или осознай, что получилось банально, — и откажись от идеи.
Нужно уметь как придумывать идеи, так и убивать их. Не относись к каждой из концепций как к родному ребенку — смело подвергай ее сомнениям и критике, тестируй на прочность.
Проверяй на актуальность
Ты воспринимаешь собственную работу через призму личного опыта — но у каждого свой бэкграунд. Если сомневаешься, что твоя идея ясная, попроси друзей или родных сказать, что они в ней поняли. Если ухватили все так, как и задумывалось, — отлично. Если нет — есть смысл доработать.
Еще полезно посмотреть на свою иллюстрацию в контексте происходящих событий и современной культуры — и, если хочется, докручивать работу так, чтобы она была актуальнее и острее.
Например, в иллюстрации про полицейский произвол мне хотелось высказаться, но не в лоб. И я нашла способ: вместо лиц у людей из толпы поставила эмоджи (как маски), а на полицейских надела шлемы, как у Daft Punk. Такой вот оммаж современной культуре. Вышло сюрреалистично, зато главный месседж сохранился и заиграл по-новому:
Слушай себя
Насмотренность и правда помогает творить, но опираться только на нее — недостаточно. Информация извне — это только триггер или зеркало, в котором отражаются мысли, пробуждая различные ассоциации. Ключевой источник креатива — мы сами, наши чувства, мысли и опыт.
На эту мысль меня натолкнула немецкая драма «Работа без авторства» — там начинающий художник подражал работам известных мастеров, пытаясь так найти себя. Техническая сторона его картин была на высоте, но с точки зрения художественной и смысловой ценности — ничего стоящего не выходило. Зато когда герой сфокусировался на личных переживаниях (боль, ужас войны, потеря близких), у него получилось сформулировать и мысли, и стиль.
Поэтому что бы мы ни делали, за какие бы проекты ни брались, какие бы темы ни развивали — важно опираться на себя. Только тогда получится живо, глубоко и честно.
